Five Essentials of Doing Dark Food Photography
A Post By: Darina Kopcok
지난 몇년 동안, 식품 사진 분야에서 몇가지 식별할 수 있는 트렌드가 발전해 왔는데, 그 중 하나는 우울하고 침울한 이미지로 바뀌는 경향을 포함한다. 이 사진들은 베르메르와 렘브란트류의 그림들과 같은 옛 마스터스 그림에서 빛과 그림자의 상호 작용을 연상시킨다.이 스타일은 종종 미술계에서 차용한 용어인 "치아로 스쿠로 "사진술이라고 불린다. 이는 " 밝은 어둠"을 의미하며, 이미지의 그림자와 빛 사이의 대조도를 가리킨다. 이 기술은 관람객들의 시선을 프레임의 특정한 영역으로 유도하고 극적인 분위기를 만들어 낸다. 미스틱 라이트는 이 어둡고 침울한 스타일을 묘사하기 위해 사용되는 또 다른 표현이에요.하지만 어두운 스타일이 반드시 모든 이미지에 적합한 것은 아닙니다. 때때로 어둡고 모호한 접근은 당신의 주제에 적합하지 않다. 강한 음식 사진을 개발하는 것은 당신의 이미지의 목적에 대해 생각하는 것을 필요로 한다. 여러분의 조명, 소품, 스타일링, 카메라 설정은 여러분이 전달하고자 하는 이야기를 위해 모두 함께 작동한다.
Over the last several years, several identifiable trends have developed in the world of food photography, including one towards dark, moody images, often with a rustic feel. These photographs call to mind the interplay of light and shadow in the paintings of the Old Masters, such as those by Vermeer and Rembrandt.
The style is often referred to “chiaroscuro” photography, a painting term borrowed from the art world. It means “light-dark” and refers to the contrast between the shadows and light in an image. The technique guides the viewer’s eye to a specific area in the frame and creates a dramatic mood. Mystic Light is another phrase used to describe this dark and moody style.
However, a dark style won’t necessarily suit every image. Sometimes a dark, shadowy approach is not appropriate to your subject. Developing strong food photography requires thinking about the purpose of your image. Your lighting, props, styling, and camera settings all work together in service of the story you are trying to convey.
For example, in the image above, I imagined someone sitting down at a farmhouse to eat a bowl of chilli on a cold winter’s day. I envisioned that the light was spilling in from a window onto my scene. This food story is one that I often use in my work, in one form or another, and chiaroscuro is the perfect style to bring it to life, as it arouses the emotions of the viewer.
So let’s take a closer look at how you can apply the chiaroscuro style to your food photography.
Dark Props and Backgrounds
The idea in dark food photography is to keep the background in shadow and draw the viewer’s attention to the main subject—what in food photography we call the “hero”. Therefore, a selection of dark or muted props, surfaces, and backgrounds is vital. White or light dishes and props will draw the eye away from the food and create too much contrast, which is distracting and can also be difficult to expose correctly.
지지대를 소싱 할 때는 새 것만큼 빛을 반사하지 않는 회색빛의 빈티지 장비를 찾아본다. 매트식은 덜 반사적이고 어둡고 중립적인 톤으로 가장 좋다. 반사는 관리하기 어려울 수 있고 식품 사진술에 많은 문제를 일으킬 수 있습니다.
이런 물건들을 찾기에 좋은 곳은 중고품 가게나 빈티지 혹은 벼룩 시장인데, 여기서 당신은 그것들을 사는데 당신이 그것들을 새로 사는 비용의 일부로 살 수 있다. 많은 식품 사진 작가들은 그들의 작업에 오래 되고 얼룩덜룩한 쿠키 시트를 사용하는데, 이것은 눈부신 표면이나 배경을 만들어 내며, 밝은 빛을 내지 않으면서 미묘하게 빛을 반사시킵니다.
나무는 배경과 버팀목으로도 활용할 수 있는 훌륭한 재료이기도 하다. 함께 일하는 것은 쉽고 시골뜨기 같은 느낌을 준다. 기존 캐비닛 도어나 테이블 상판과 같은 풍화된 품목을 사용할 수 있습니다. 어떤 나무를 사용하든 너무 따뜻하게 탄력 있게 하지 마라. 그것은 최종 이미지에서 꽤 오렌지 색으로 보일 것이고, 따라서 음식에 잘 어울리지 않을 것이다. 에스프레소의 진한 색은 언제나 멋져 보인다.
When sourcing props, look for vintage utensils with a patina, which will not reflect the light as much as new ones. Matte dishes will also be less reflective, and are best in darker, neutral tones. Reflections can be hard to manage and cause a lot of problems in food photography.
Some good places to look for these items are thrift shops and vintage or flea markets, where you can find them for a fraction of the price you would pay for them new. Many food photographers use old, mottled cookie sheets in their work, which create a stunning surface or background, which subtly reflects the light without being to bright.
Wood is also a great material to utilize, both in the background and as props. It is easy to work with and lends a rustic feel. You can use weathered items such as an old cabinet door or tabletop. Ensure that whichever wood you use isn’t too warm toned. It will look quite orange in the final images and therefore unflattering to the food. A deep espresso color always looks great.
Food Styling
푸드 스타일링
당신은 광고 작업과 대조적으로 사설에서 자주 어두운 음식 사진 스타일을 발견할 것이다. 광고 사진은 양식화된 음식과 함께 완벽해 보이도록 만들어졌다. 패스트 푸드 버거 광고를 보고이것을 진짜 햄버거와 비교해 본 사람이라면 누구나 내가 무슨 말을 하고 있는지 알것이다.
하지만 요리 책자나 식료품 잡지에서 발견되는 것과 같은 편집 식품 사진은 좀 더 편안하고 좀 더 솔직한 스타일을 지니고 있다. 음식은 종종 완벽하게 불완전하고, 마치 갓 준비되었거나 누군가가 막 속으로 들어가기 시작한 것처럼, 흩어진 부스러기들이나 솜씨 좋게 놓여진 얼룩과 방울들을 가지고 있다.
그렇다고 해서 헤어 스타일에 있어서 고의적인 노력이 없다는 뜻은 아니다. 그렇기 때문이다. 시골뜨기와 진짜 그리고 완전히 허술한 사람 사이의 경계선은 훌륭하다. 음식 스타일을 편안하고 무작위로 보이게 하는 데는 숙련된 손이 필요하다.
You will most often find the dark food photography style in editorial as opposed to advertising work. Advertising photography is meant to look perfect, with highly stylized food. Anyone who has ever seen a fast food burger ad and compared it to a real burger knows what I’m talking about.
But editorial food photography, such as that found in cookbooks and foodie magazines, has a looser, more candid style. The food is often perfectly imperfect, with scattered crumbs or artfully placed smears and drips, as if it has been freshly prepared or someone has just begun to tuck in.
This is not to say there is no deliberate effort in the styling because there is. The line between rustic and real and downright sloppy is a fine one. It takes a practiced hand to make food styling look casual and random.
위의 당근 생강 수프 이미지를 보면, 나는 표면에 있는 크림을 조심스럽게 소용돌이 쳤고 중심점을 만들기 위해서 조심스럽게 중심에서 벗어나게 크루톤을 놓았습니다. 후추와 타임 잎으로 장식을 했는데요, 제 표면에 재료에 대한 생각으로 뿌렸습니다.
실제로는 이렇게 보이지는 않지만, 음식 사진을 찍기 위해서는 이런 추가적인 손길이 정직하고 스토리텔링의 질을 높이고 주요 주제인 수프를 향상시킨다.
스타일링에 접근할 때, 여러분이 쏘고 있는 레시피에 사용되는 성분에 대해서 생각하세요. 어떻게 하면 그것들 중 일부를 여러분의 이미지에 통합시킬 수 있을지를 생각해 보세요. 그것은 말이 되고 여러분의 영웅을 보완해 줄 수 있습니다.
In the image of carrot ginger soup above, I gently swirled cream on the surface and carefully placed the croutons off-center to create a focal point. I garnished it with pepper and thyme leaves, which I also scattered on my surface with a thought to the composition.
In reality, one’s dinner table would hardly look like this, but for the purposes of food photography, such extra touches give an honest, storytelling quality and enhance the main subject, which in this case is the soup.
When approaching styling, think about the ingredients used in the recipe you are shooting. Ask yourself how you can incorporate some of them into your image in a way that makes sense and complements your hero.
Carving the Light
카빙 더 라이트
어두운 색의 이미지를 만들어 낼 때, 여러분의 주요 주제에 관심을 갖게 하기 위해서 빛을 조각하고 모양을 만드는 것이 필수적이다. 이미지를 어떻게 비추고 싶은지 와 그림자가 어디로 지길 원하는지를 결정해야 할 것이다. 우울한 이미지를 위해서는, 나는 종종 측면 조명과 배경 조명을 사용한다. 만약 내가 아날로그 시계의 얼굴을 세트로 상상하고 있다면, 나의 조명 위치는 10시쯤이다.
간접 조명을 사용하는 것이 가장 좋으므로 세트나 음식을 직접 가리키는 조명이 없다. 자연광의 경우 표면을 윈도우에 대한 각도로 배치합니다.
검은 색 마분지나 포스터 보드 같은 작은 검은 색 리플렉터 카드를 정사각형으로 잘라 원하는 곳에 그림자를 드리우고, 조명을 줄일 위치에 따라 세트 주위에 놓습니다. 아니면, 여러분은 검정색 포스터 보드 조각을 말아 붙이고 끝을 함께 묶을 수도 있어요;이 두루마리들은 서 있을 수 있고 어떤 것에도 기댈 필요가 없습니다.
When producing darker images, it is imperative to carve and shape the light to bring attention to your main subject. You will need to determine how you want to light your image and where you want the shadows to fall. For moody images, I often use side and backlighting. My light placement is at about 10:00 if I am imagining the face of an analog clock as my set.
It’s best to use indirect lighting so no lights pointing directly at the set or food. In the case of natural light, placing the surface at an angle to the window.
Use small black reflector cards, like black cardboard or poster board cut into squares, to kick in shadows where you want them, and place them around your set depending on where you want to cut down the light. Alternatively, you can roll up pieces of black poster board and staple the ends together; these rolls can stand on their own and do not need to be propped up against anything.
위의 그림에서, 저는 버섯들이 밝게 빛나고 빛을 좀 잡기를 원했습니다. 특히 단색인 것처럼 보였지만, 접시 위에 그림자들이 떨어지기를 바랬습니다. 저는 제 앞에서 오는 측면 백 라이트와 블랙 카드를 사용해서 제 장면을 비스듬히 들여 놓아 앞면에 그림자를 만들고 제 장면으로 직접 들어오는 빛을 흡수했습니다.
여러분은 여러분의 이야기와 함께 일하는 그림자를 얻기 위해 다양한 크기와 반사경 카드를 가지고 놀아야 할 것입니다.
노출
일반적으로, 치아로 스쿠로 식품 사진을 사용하면 카메라에서 이미지를 약간 덜 심고 싶어 합니다. 명암이 매우 풍부한 음식을 매우 밝게 처리할 수도 있고, 많은 차이가 없는 낮은 키의 이미지를 가질 수도 있습니다. 어느 쪽을 선택하든 주요 대상을 프레임에서 가장 밝은 부분에 배치해야 하며, 이는 눈을 먼저 사로잡습니다. 하이라이트가 꺼지지 않도록 확인하고 그림자가 너무 검게 덮이지 않도록 하십시오.
In the images above, I wanted the mushrooms to be bright and catch some of the light, especially as the look was monochromatic, yet I wanted shadows to fall on the plate. I used side backlighting and a black card from the front, angled into my scene to create shadows in the front and absorb some of the light that was coming directly into my scene.
You will have to play around with different sizes and placements of the reflector cards to get the shadows where they work with your story.
Exposure
Typically, with chiaroscuro food photography, you want to slightly underexpose the image in the camera. Chiaroscuro can have very bright treatment of food with very deep shadows, or the image can be low key with not a lot of contrast. Whichever approach you choose, the main subjects should be placed in the brightest part of the frame, which attracts the eye first. Make sure the highlights are not blown out and the shadows are not too black with no detail.
삼각대를 사용하는 것이 좋습니다. 특히 여러분이 이상적인 조건이 아닌 상태에서 자연광을 쏘는 것이 가장 좋습니다. ISO를 높이고 높은 소음 위험을 감수하는 대신 삼각대를 사용할 경우, 노출 시간을 늘릴 수 있습니다. 빛이 좀 있는 한, 오랫동안 노출되면 사진을 제대로 찍을 수 있어요.
타이머나 원격 셔터 트리거를 사용하면 카메라 떨림과 선명하지 않은 화면이 방지됩니다. 그러나 초점은 주요 주제에 맞춰져야 합니다. 그러나 이미지는 개념, 분위기, 이야기를 위해 노출되어야 합니다.
포스트 프로세싱
어두운 음식 사진을 위한 올바른 사후 처리는 정말로 여러분의 이미지를 팝으로 만들 것입니다.
Lightroom또는 CameraRAW에서 휘도 슬라이더를 사용하여 개별적으로 색상을 밝게 할 수 있습니다. 세계적인 그리고 지역적인 조정을 사용하여 전체적인 이미지에 노출되는 대신에 음식에 최고의 효과를 발휘하세요. 그렇지 않으면 그림자가 평평하게 떨어질 수 있습니다.
It is best to work with a tripod, especially if you are shooting in natural light in less than ideal conditions. Instead of boosting the ISO and risking a high amount of noise, you can increase the exposure time when using a tripod. As long as you have some light, a long exposure allows you to take a properly exposed picture.
Using the timer or a remote shutter trigger will prevent camera shake and an image that is less than sharp. The focus should be on the main subject, however, the image needs to be exposed for the concept, mood, and story.
Post-Processing
The right post-processing for dark food photography will really make your image pop.
Using the luminance sliders in Lightroom or Camera RAW to brighten colors individually. Use global and local adjustments to bring out the best in the food, instead of bumping up the exposure in the whole image, which can cause your shadows to fall flat.
그리고 따뜻한 색은 요소를 앞으로 가져오는 반면, 차가운 색은 뒤로 물러나게 한다는 것을 기억하세요. 최고의 사진술은 당신의 이미지에 3차원적인 느낌을 주기 때문에, 이 둘의 균형을 가지고 있다. 명암 법으로 음식 사진을 찍을 때, 하얀 음식과 배경을 사용하지 않기 때문에 흰색 균형과 색조를 창의적으로 사용할 수 있습니다. 분할된 부분을 미묘하게 다루는 것이 가능하다면, 분할된 부분도 큰 효과를 내는 데 사용될 수 있다.
마지막으로, 여러분이 어떻게 빛을 조각하든 상관 없이, 약간의 비네트 빛은 좀 더 많은 신비함을 더해 줍니다. 또한, 눈이 프레임 밖으로 빠져나가는 것을 방지하기 위해 이미지의 가장 밝은 부분인 음식으로 다시 이동합니다.
결론
자, 여기 있습니다. 어둡고 침울한 음식 사진 촬영을 위한 저의 가장 중요한 조언입니다!
식품 사진 촬영에 대한 이런 접근법을 실험해 볼 기회가 있는지 듣고 싶습니다. 당신의 노력은 무엇이었습니까? 아래의 의견에 자신의 경험과 이미지를 공유하십시오.
And remember, warm colors bring elements forward, whereas cool colors recede. The best food photography has a balance of both, as it gives a three-dimensional feel to your image. With chiaroscuro food photography, white balance and tint can be used creatively, since you are not using white dishes and backgrounds. Split-toning can also be used to great effect, as long as it is done with subtlety.
Finally, no matter how you carve the light, a bit of a vignette adds a bit more mystery. It also prevents the eye from wandering out of the frame by bringing you back to the brightest part of the image — the food.
Conclusion
So there you have it, my top tips for making dark and moody food photography images!
I’d love to hear if you’ve had a chance to experiment with this approach to food photography. What were your struggles? Please share your experience and images in the comments below.
Darina Kopcok is a writer and professional food photographer who shares her recipes and photography on her blog Gastrostoria. Her latest work can be found on OFFset, as well as her online portfolio at darinakopcok.com.
