정물 사진 촬영으로 배운 5가지 교훈/번역 NAVER Papago

5 Lessons I Learned by Doing Still Life Photography

A Post By: Stacey Hill

Still life is a particular style of photography that slowly lured me into its clutches. The gateway drug was, of course, food photography, and before I knew it, my weekends were spent combing secondhand shops for props and buying up linen in all different shades.

정물화는 사진의 특별한 스타일로 나를 서서히 그것의 손아귀으로 유혹했다. 물론 약물은 식품 사진이고, 제가 알기도 전에, 제가 주말에 쓰던 중고품 가게에서 소품들을 뒤지고, 온갖 다양한 색조의 리넨 제품을 샀습니다.

인스타그램의 인기는 모든 다른 종류의 음식, 음료, 디저트, 케이크, 그리고 칵테일의 이미지를 만들어 내고 있습니다. 이름을 말하면, 누군가가 필터를 쏘고, 추가하고, 심지어 맛보기도 전에 온라인에 올리고 있어요. 한가지 보여 주는 것을 제외하고는, 그것이 얼마나 작곡하기 힘들고 훌륭한 정물화를 찍는 것이 얼마나 힘든 것인가를 보여 주고 있는데, 특히 휴대폰으로 그렇습니다. 밖에는 정말 끔찍한 장면들이 많이 있어. 누군가는 좋은 샷을 얻기 위해 필요한 노력에 대해 재미 있는 비디오를 만들기도 했다.

제가 사진 여행을 하면서 배웠던 모든 기술들 중에서, 아무도 제게 정물화를 하는 것만큼 많이 가르쳐 준 적이 없어요.

The popularity of Instagram has given rise to images of every different kind of food, drink, dessert, cake, and cocktail. You name it, someone is shooting it, adding a filter and posting online before they even taste it. Except for the one thing it really shows, is how hard it is to compose and take a good still life image, especially with a cell phone. There are a lot of really awful shots out there. Someone even made a hilarious video about the effort needed to get a good shot.

Of all of the techniques I have learned in my photography journey, none has taught me as much as doing still life work.

My first venture into still life – an Easter challenge that needed your hands in the image. This was before I had a wireless remote.

조용한 삶을 향한 나의 첫번째 모험 부활절 도전은 당신의 손이 필요했다. 무선 리모콘을 갖고 있던 때였습니다.

#1천천히 숨을 쉬고 천천히 하세요

당신은 좋은 정물화를 위해서는 빛, 좋은 작문, 그리고 과목의 세가지가 필요하다. 사진 이미지와 거의 비슷합니다. 하지만 정물화의 가장 좋은 점 중 하나는 여러분이 원하는 만큼 시간을 가질 수 있다는 것이에요. 보통 조건을 통제하고 정적인 주제를 가지고 내부로 쏘아 올리는 것은 여러분이 실제로 존재하고 실험할 자유를 준다.

위의 비디오 링크에서 볼 수 있듯이, 구성은 핵심 요소입니다. 그 주제를 따로 떼어 놓았습니까? 소품이 도움이 될까요? 어디 특별한 기분이 드는 건가요? 어떻게 그걸 성취할 수 있어요?

 #1 – Slow Down, Breathe and Take Your Time

You need three things for a good still life shot – light, good composition and a subject. Pretty much the same as for any photographic image really. But one of the best things about still life is you can take as much time as you like. Usually shot inside with some control over the conditions and with a static subject, this gives you the freedom to be really present and experiment.

As seen in the video link above, the composition is a key element. Do you shoot the subject isolated? Will props help you tell more of a story? Is there a particular mood you are going for? How can you achieve that?

I bought these gerberas and shot them every day for a week until they were past their best. Each flower had its own distinct shape and character that needed time to bring out its best

저는 이 허브 바라 시를 샀고 그들이 전성기가 지날 때까지 그들을 일주일 동안 매일 쏘았어요. 각각의 꽃들은 그것의 최고를 발휘하기 위한 시간이 필요한 그것의 자신의 독특한 모양과 특성을 가지고 있었다.

어떤 각도가 가장 효과적입니까? 더 많은 환경을 포함하거나 폐쇄하시겠습니까? 가로로 눕히는 것이 좋을까요, 아니면 옆으로 눕히는 것이 좋을까요?

왜냐하면 한번의 촬영으로 많은 시간을 허용하고 같은 주제를 여러가지 다른 방법으로 처리할 수 있기 때문입니다. 당신은 아마도 한번의 멋진 슛이나 여러번의 좋은 슛을 성공시킬 수 있을 것이다. 그것은 분명 좋은 샷을 얻는 것이 얼마나 어려운지에 대해 여러분에게 많이 가르쳐 줄 거예요.

What angle is most effective? Close-up or include more environment? Will flat lay (overhead) or side on be best?

Because you have more control over the conditions you can allow a lot of time and shoot the same subject in many different ways in one shoot. You may come out with one great shot or several good ones. It will certainly teach you a lot about how difficult it is to get a good shot.

My studio is my spare bedroom, one window, and a fold away craft table. Of course, a cat getting in the way!

내 스튜디오는 나의 여분의 침실, 창문 하나와 접어서 치워 놓은 공예 테이블이다. 물론, 고양이 한마리가 방해가 되겠지!

2– 작곡이 핵심

원래 자연과 풍경 사진 작가인 나는 큰 규모로 사진을 찍는 것에 익숙하다. 많은 아름다운 산들, 호수나 바다, 구름으로 가득한 하늘 등등. 이미지를 확대하고 접지하기 위해 바위나 드리프트우드 또는 터속크와 같은 유용한 전경 요소가 포함되어 있습니다.

그래서 제가 아주 작은 것들을 가까이 쏘아 올리려 했을 때, 그런 이미지들을 잘 조합하는 것이 얼마나 어려운지를 알게 되어 약간 충격적이었습니다.

2 – Composition is Key

Being a nature and landscape photographer originally, I am used to shooting things on a big scale. Lots of pretty mountains, lakes or sea, cloud-filled skies, and so on. A handy foreground element like a rock or driftwood or tussock is included for scale and to ground the image.

So when I tried to shoot much smaller things up close it was a bit of a shock to find how difficult it was to compose those images well.

One black background, one silver spoon, and some raspberries.

검은 바탕에 은색 스푼, 그리고 라즈베리 몇개.

미묘한 각도 차이가 어떻게 이미지에 영향을 미칠 수 있는지를 아는 것은 흥미롭다. 카메라가 얼마나 가까이 있는지에 따라 프레임 내에서 주제의 균형이 완전히 바뀔 수 있습니다. 규모가 실제로 중요해 지는 방법과 가장 효과적인 이미지를 위해 활용할 수 있는 도구.

문제를 파악할 때까지 거의 모든 사진을 몇시간 동안 반복해서 폐기하면서 사진을 많이 찍었습니다. 복잡성 나는 초보자가 너무 많은 요소들을 포함하려고 하는 바람에 작문의 균형이 깨져 버렸다는 실수를 저질렀다. 복잡하고 지저분한 주제에 제가 너무 많은 추가적인 것들로 인해 제가 그 틀에서 밀어내고 있던 것들이 주제를 뛰어넘었습니다.

It is interesting to learn how a subtle difference in angle can affect the outcome of the image. How close or far away your camera is can completely change the balance of the subject within the frame. How scale becomes really important and a tool to be leveraged for the most effective images.

I spent hours taking so many shots, discarding nearly all of them over and over again until I figured out my problem. Complexity. I made the rookie mistake of trying to include too many elements, which threw off the balance of the composition. It was crowded and messy and the subject was overpowered by all the extra stuff I was shoving in the frame.

A black background, a silver spoon, and some raspberries. Taken at a different angle, closer up, more intimate and inviting. Subtle differences.

검은 바탕에 은색 숟가락, 그리고 몇몇 라스베리들. 다른 각도에서 찍고, 가까이 다가가고, 더 친밀하고, 유혹적입니다. 미묘한 차이.

여기서 우리의 교훈이 정말 이해되기 시작했다. 시간을 들여 속도를 줄이고, 숨을 쉬고, 주제를 보고, 가능성을 보고, 이야기를 느끼고, 더 적게 촬영했습니다. 하지만 관리자 비율이 크게 향상되었습니다.

비결은 간단하고 튼튼하게 하는 것이었다.

3– 가능성 확인

이 단계는 1단계와 2단계를 거쳐 자연스럽게 나타난다. 일단 여러분이 여러분의 과목에 대해 시간을 내서 여러분이 가지고 있는 조명 안에 그것을 놓고, 그것을 이렇게 돌리면, 그것의 좋은 면을 보여 줄 것입니다.

만약 여러분이 여러분 자신과 여러분의 주제가 서로를 알게 될 시간을 준다면, 그것의 비밀이 드러날 것입니다. 아마도 양파일 수도 있고, 아니면 초상화 일수도 있습니다. 같은 규칙이 적용됩니다. 만약 당신이 당신의 주제를 알기 위해 시간을 낸다면, 당신은 다른 가능성을 보기 시작할 것이다. 아마도 여기 이 배경은 덜 어수선하고, 아마도 이 접시가 자연적 색채를 더 잘 강화하는 듯 합니다. 저 통나무 같은 판은 아주 멋진 농가적인 매력을 줍니다.

This is where lesson one really started to make sense. By taking the time to slow down, breathe and see my subject, see the possibilities, feel the story it was trying to tell me, I shot a lot less, but my keeper rate vastly improved.

The trick was keeping it simple and strong.

3 –  See the Possibilities

This step naturally emerges after steps one and two. Once you take time to be in the moment with your subject, position it within the lighting you have, turn it this way and that, then it will show you its best side.

If you give yourself and your subject time to get to know each other, then its secrets will be revealed. It might be an onion, or it could even be a portrait, the same rule applies. If you take the time to get to know your subject, you begin to see different possibilities. Perhaps this background over here is less cluttered, maybe this plate enhances the natural color better, that rustic board gives a great farmhouse appeal.

Be the garlic clove! Feel the garlic clove! Hear its story.

마늘은 씨가 된다! 마늘이 응고된 것을 느껴 보세요! 그 이야기를 들어 보세요.

알아요, 그건 선이 없는 것처럼 들리고 좀 진부하게 들릴 수도 있지만, 그렇다고 해서 그것이 사실이 덜한 것은 아니에요. 네, 반짝이는 빨간 사과를 2초 안에 위치시키고, 그것을 쏘아서 완벽하게 받아들일 수 있는 이미지를 만들 수 있어요.

하지만 만약 여러분이 사과를 다른 각도, 다른 표면에 놓으면서 20분이 걸린다면, 여러분은 무엇을 끝낼 수 있을까요? 아마도 그것을 잘라서 열어 보거나, 아니면 크게 베어 넘길 건가요? 사이다를 한잔 넣어서 드릴까요? 장식용 그릇에 잘 정돈된 것처럼 보이는 것이 몇개 있을까요?

I know, it sounds a bit zen and probably a bit corny, but it doesn’t make it any less true. Yes, you can take two seconds to position a shiny red apple and shoot it and have a perfectly acceptable image.

But what else might you end up with if you took 20 minutes, positioning the apple at different angles, on different surfaces? Maybe you cut it open or take a big bite out of it? Pose it with a glass of cider? Maybe you have a handful that looks great arranged in a decorative bowl?

The focus of this shot is the funny squiggle of butter on the bagel, but the story is Sunday Morning Brunch. Yes, it was delicious too!

이 사진의 초점은 베이글에 버터를 바르는 재미 있는 스퀴그이지만, 이야기는 선데이 모닝 브런치에 관한 것이다. 네, 그것도 맛있었어요!

휴식을 취하고 가능성이 여러분에게 알려지도록 하기 위해서 한가지 결과에 집중하고 그 사진을 찍고 넘어가는 대신에 시간을 주지 않는다면, 여러분은 많은 기회를 놓치게 될 거예요. 게다가 배우고 성장할 수 있는 기회도 제한하잖아요.

저는 정물 사진으로 시작할 때 꾸준히 실패했고 정말 좌절스러웠습니다. 하지만 그것은 제가 더 열심히 일하게 만들었습니다. 일단 받고 나면, 내 일의 질은 기대했던 것보다 더 빨리 향상되었는데, 그것은 아주 좋은 보너스였다.

4– Go추상

어떤 것을 전체적으로 쏘아 명확한 맥락을 제공하는 것이 더 쉽기 때문에 시청자들이 보고 있는 것에 대해 생각할 필요가 없다.

하지만 시청자들이 보고 있는 것에 대해 생각하는 데 시간이 좀 걸린다면, 얼마나 더 흥미로운 일이 될까? 그들이 그 물체가 무엇인지 알아야 하는데도 정확히 알아낼 수 없다는 것을 의식의 가장자리에서 놀림을 받은 곳이 어디일까? 만약 당신의 이미지가 그들과 함께 하고 그들의 마음 속에서 조금씩 떨어져 나간다면? 그들이 실제로 기억하는 곳은 그들의 전화기에서 지난 날 볼 수 있었던 수백개의 사진 중에서 어디일까?

Unless you give yourself time to relax and let the possibilities make themselves known to you, rather than focussing on one outcome, taking that shot and moving on, you will miss out on lots of opportunities. Plus you limit your chances to learn and grow as well.

I failed consistently when starting out with still life photography and it was really frustrating, but it made me work even harder. Once I did get it, the quality of my work improved faster than expected, which was a nice bonus.

4 –  Go Abstract

It is easier to shoot something whole and give it obvious context so that the viewer doesn’t have to think about what they are seeing.

But how much more intriguing would your work become if the viewer did have to take some time to think about what they were seeing? Where it teased at the edge of their consciousness that they should know what the object is but couldn’t quite figure it out? What if your image stuck with them and niggled away in the back of their mind? Where they actually remember it out of the many hundreds of images seen that day scrolling past on their phone?

A metal bench in the city but taken side on and obvious context removed with the focus on the lines and the circles instead.

도시에서 철제 벤치를 차지하고 있지만 선과 원에 초점을 맞춘 채로 한쪽으로 치우친 채 명백한 주위 환경을 제거했다.

추상적으로 말하는 것을 두려워하지 마세요. 원래 모양, 모양 또는 목적을 숨기는 방법으로 무언가를 쏘는 것 재미 있고 체포되는 한 당신이 좋아하는 만큼 잘 알지 못하도록 하세요. 그것을 위해서 모호함은 그들을 끌어들이기보다는 오히려 그들을 멀어지게 할 수도 있다.

Don’t be afraid to go abstract. To shoot something in a way that hides its original shape, form, or purpose. Be as obscure as you like so long as it’s interesting and arresting. Obscurity for the sake of it may put people off rather than engaging them.

A piece of glacier iceberg taken up close from a boat to capture the intense blue color and the texture of the bubbles froze within the ice.

빙하의 한조각은 강렬한 파란 색과 얼음 속에서 얼어 붙은 거품의 질감을 잡기 위해 배에서 가까이 올라갔다.

다시 한번 시간을 내서 주제를 살펴보고, 그 가능성과 각도를 보고, 창의적으로 행동하는 것이 여기에 적용됩니다. 이 팁은 여러분이 세상에 쉽게 내놓을 수 있는 것입니다. 세상을 장식하는 많은 작고 복잡한 요소들이 있습니다. 만약 여러분이 그것들을 보기 위해 시간을 낸다면, 여러분이 명백한 맥락을 숨길 때 드러나는 재미 있는 모양들입니다. 세부 사항에 뭔가가 있으니, 그것들을 찾는 것을 즐기세요.

Again taking the time to look at your subject, seeing its possibilities and angles, and being creative all apply here. This tip you can easily take out into the world. There are many small intricate elements adorning the world if you take time to see them, interesting shapes revealed when you hide the obvious context. The devil is in the details, have fun finding them.

A wonderful art deco stairwell.

멋진 미술관 계단이군

5– 소품

프롭은 스틸 라이프 사진술에서 필수적인 부분이다. 그들은 여러분이 만들고 있는 이미지의 장면, 색조, 분위기 그리고 느낌을 설정합니다. 샷을 잘 치고 지지하는 법을 배우는 것은 정물화에 있어서 제게 가장 힘든 일이었습니다. 충분한 선택권 없이는 잘 해나가기가 어렵다.

이것은 여러분이 수백개의 접시와 사발 그리고 수건과 천과 날붙이가 필요하다는 것을 의미하지 않아요. 하지만 여러분에게 유연성을 제공하기 위해 신중하게 선택한 몇가지 선택 사항들은 좋은 선택입니다.

5 – Props

Props are an essential part of still life photography. They set the scene, the color tone, the mood and the feel of the image you are creating. Learning to prop and style a shot well was the hardest thing for me about still life. It’s difficult to do well without enough options to work with.

This doesn’t mean you need hundreds of dishes and bowls and towels and fabric and cutlery (though it’s easy to end up with them). But a few carefully chosen options that give you flexibility are a good choice.

Most of my still life prop collection. Enough variety to be useful and flexible.

나의 정적인 삶의 대부분은 수집을 뒷받침한다. 유용하고 유연하게 사용할 수 있는 다양성.

소품에서 얻을 수 있는 사진의 장점은 이것뿐만이 아니다. 사진 찍기, 약혼, 결혼, 아이들, 애완 동물, 가족 사진술 모두 소품 사용에 따른 혜택이다. 여러분이 사진 속의 사람들을 볼 때마다, 그들과 상호 작용할 수 있는 무언가를 갖는 것이 그들을 더 잘 사로잡을 수 있도록 도울 수 있어요.

그들이 입고 있는 옷의 색과 스타일은 어떤가? 머리 색깔이나 스타일? 화장한다고? 신발? 밝은 색의 우산을 쓰면 얼마나 재미 있을까요?

This is not the only style of photography that benefits from props: portraits, engagement, wedding, children, pets, and family photography all benefit from the use of props. Anytime you have people in your image, having something for them to interact with can help engage them better.

What about the color and style of clothing they are wearing? Hair color or style? Makeup? Shoes? How much fun can be had just with a brightly colored umbrella?

A model dressed as Red Riding Hood, wearing a bright red velvet hooded cloak and faux medieval outfit. Shot at an old estate using a broken wooden gate as a prop.

밝은 빨간 벨벳으로 된 모자를 쓰고 가짜 중세 시대풍의 의상을 입은, 빨간 망토를 입은, 빨간 모자를 쓴 모델 부서진 목재 문을 버팀목으로 사용하여 낡은 땅에 총을 쏘았다.

이러한 모든 요소는 이미지를 향상시키거나 산만하게 만들 수 있습니다. 당신이 말하고 있는 그 이야기는 무엇입니까? 어떤 분위기를 자아내고 싶으세요? 그렇다면 어떤 스타일이나 색상의 옷이 가장 잘 어울릴까? 이것은 어떤 고객이든 사전에 고려하고 상의할 수 있는 것이다.

결론

스틸 라이프 사진 촬영을 시작하기 전에는 제가 너무 서두르곤 했어요. 나는 명백한 샷에 만족하고 좌절감을 느끼며 떠날 것이다. 왜냐하면 그것은 지루하고 예측 가능하고 충분히 다르지 않았기 때문이다. 이제 나는 적절하게 준비하기 위한 시간을 가지고 있고 내 자신에게 총을 쏠 충분한 시간을 준다. 창의적인 선택권을 찾고 실험할 준비를 하는 것은 재미 있고 흥미롭습니다.

지금 저는 훨씬 덜 쏘지만, 제 일의 질은 향상되었고, 저는 제가 언제 키퍼의 슛을 성취했는지를 알고 있습니다. 이미지를 작성하고 스타일을 만드는 나의 능력이 향상되었다. 이야기를 하기 위한 다른 요소들을 포함하는 것은 전에는 부족했던 저의 이미지에 깊이와 뉘앙스를 더해 주었습니다.

These are all elements that can enhance or cause distractions in your image. What is the story you are telling? What mood are you trying to evoke? Therefore what style or color clothing is going to work best? This is something to think about and discuss with any clients in advance.

Conclusion

Before I started shooting still life photography I used to be in too much of a hurry. I would settle for the obvious shot and leave frustrated because it was boring, predictable and not different enough. Now I take time to prepare properly and give myself plenty of time to shoot. Looking for creative options and being prepared to experiment is fun and exciting.

Now I shoot a lot less, but the quality of my work has improved and I know when I have achieved a keeper shot. My ability to compose and style an image has improved. Including other elements to tell a story has added depth and nuance to my images that was previously lacking.

좋은 점은 이러한 장점들이 거의 모든 형태의 사진에 적용된다는 것입니다. 분명히 다른 것들보다 더 많이요. 잠깐 화면을 찍고 싶은 건가요, 아니면 완전히 보는 사람을 끌어들이고 싶은 건가요? 당신이 말하려고 하는 그 이야기는 무엇입니까? 어떤 감정을 함께 나누고 싶어요? 어떻게 하면 시청자들과 연결할 수 있고, 인스타그램이나 페이스북 사람들로부터 자신의 이미지를 눈에 띄게 할 수 있을까요? 매일 온라인에 게시되는 수백만개의 이미지 외에 당신의 작업을 차별화하는 것은 무엇입니까?

실제로 얼마나 많은 일을 하고 여러분이 자신의 이미지를 만들어 내는 데에 얼마나 많은 노력을 쏟는지는 중요합니다. 다른 새로운 기술처럼, 배우는 데도 시간이 걸릴 것이다. 몇달 동안 시도해 보고, 자신의 새로운 작품을 예전 작품과 비교하여 그 차이를 알아 보도록 해 보세요.

The good thing is that these benefits apply to almost any form of photography, some more than others, obviously. Do you just want a quick snap or do you want to engage your viewer fully? What is the story you are trying to tell? What emotion do you want to share? How can you connect with the viewer and make your image stand out from the Instagram or Facebook crowd? What sets your work apart from the millions of images posted online every day?

It does actually matter how much work and thought you put into crafting your image. Like any new skill, it will take time to learn. I challenge you to give it a go for a few months and then compare your new work to your older stuff and see the difference.

Stacey Hill

invested in her first DSLR back in 2007. While having many adventures out and about in the South Island of New Zealand, Stacey took to blogging about her experiences learning photography. Recently she discovered the fun and creative possibilities to be had with Photoshop. She can be found having an opinion all over the place here.